Vanity Teen:“不烦兔”这一IP是如何诞生的？
罗晶晶：2015年，在英国游学期间，我开始用绘画来记录自己的日常喜怒哀乐，塑造了简单快乐、独立勇敢的“不烦兔”。“不烦”其实是“不麻烦”，我希望生活是不麻烦的，想要处于人与人之间的交际比较简单的一个状态。而绘画对我来说就是简单的，能让我感觉到前所未有的自由，我就是从那个时候开始创作不烦兔。
“不烦兔”用彩绘玻璃绘画形式创作的艺术IP，他色彩丰富而艳丽，画面充满天马行空的想象力，脸蛋圆圆的兔子形象和东西文化的符号图案极具代表性。不烦兔遵从对世界认知的六感，即视觉、听觉、触觉、嗅觉、味觉和第六感，希望每个人都在画中能获得治愈的能量。
Vanity Teen:“不烦兔”艺术IP曾成功跨界电影、与华为合作…未来，最想与什么类型的品牌进行联名合作？为什么？
罗晶晶：如前面所说，不烦兔IP遵从的是对世界认知的六感，即视觉、听觉、触觉、嗅觉、味觉和第六感，换句话说，未来愿意与将美好生活、艺术、产品深度融合的品牌进行合作。艺术跨界不应流于形式，还需要一些创意。
Vanity Teen：为什么选择在作品中大量使用波普风格的色彩呢？
刘溪子：首先我确实非常欣赏波普艺术，我的创作风格也深受波普的艺术形式影响，因为波普艺术是新时期艺术家将商业艺术与近现代艺术联合在一起的一种表达方式。它会把基于大众文化的一些细节，如漫画、快餐及印有商标的包装等等的大众消费品进行创作。与之相同，我的创作灵感也是来源于这个消费主义盛行的年代，作为90后的艺术家，我成长于千禧年，是中国经济飞速发展的时期，也是商品与消费迅速发展的时期，所以我作品的风格和色彩也深受伴随成长的游戏、商业广告以及影视等等的用色影响。
刘溪子：我创作的灵感与生活息息相关，我认为任何艺术形式都离不开创作者个人的生活的根基。在疫情前，我最大的爱好就是旅行。当我们在一个地方住久了，就会对周遭的事物感到麻木，换一个地方去逛几天，整个眼睛都是新鲜的，相同的事情与场景换一个国家/城市，就是有趣的。我会觉得眼前的许多日常场景都很有趣，很入画，那么我就会把它拍摄下来，日后用绘画的形式来记录我们这个时代的生活点滴。比如我在画的菜市场系列，创作的开始就是因为我非常喜欢去逛农夫市场，去到一个新的地方一定会找当地的市场去看看，那里能看到最真实的当地人的生活，还有最本地化的食材。同时菜市场也是非常有烟火气的一个城市角落，能够唤起很多关于生活最温馨的记忆。于是通过整理照片素材，就产生出了这一系列的菜市场题材绘画。
Vanity Teen：疫情改变了人们的生活，对此您是否有所思考？期间有没有创作新作品？
刘溪子：疫情让我更怀念以前可以说走就走，去新的地方体验生活、找绘画素材的日子。现在就靠以前积累的素材在延续自己的创作系列，希望在素材用尽之前疫情能够彻底结束，大家恢复到往日的生活。
Vanity Teen：为什么选择成为插画艺术家，您小时候的梦想是什么？
Grace：对于艺术学习的向往其实在很小的时候就在我心里埋下了种子，小的时候，我曾经在学校的课本上，甚至在房子周围散落的纸上画画，想象自己有一天变成设计师模样。长大之后，我就越发对时尚产生了特别的兴趣，经常喜欢看电视的时尚综艺和各种杂志，不过我从未上过艺术学校，虽然我的父母鼓励我的兴趣爱好，但他们还是试图引导我走向他们认为更有价值的职业。我从国立大学毕业后，有机会从事金融领域在投行工作，但是在我还是毅然选择了追求我的梦想，放在当时这是一个人很艰难的决定，但是现在证明一切都是最好的安排！
Vanity Teen：除了美丽的花瓣，你还钟爱哪些创作元素，为什么？
Grace：我不断受到大自然的启发。我特别喜欢使用体现不同颜色色调的花朵（牡丹和花园玫瑰是我的最爱！）。我喜欢使用花瓣的原因之一是它们的精致和细腻模仿了衣服的柔软面料。例如，玫瑰花瓣温柔的、类似织物的质量使我能够为喇叭裙创造出褶皱。花朵尤其是这样一种触觉的灵感来源。像是天鹅绒般优雅的感觉已经让我能够设想出一件衣服穿上后的感觉！当然，除了花，我也有尝试了许多天然有机元素作为我的创作材料，比如树叶，蔬菜，水果切片或者果皮等等… 就像我之前说的一样，我的目标就是可以将大自然的一切产物转化为艺术，赋予他们生命的另一种意义的同时，也能为我欣赏他们的人带来不一样的情感共鸣！
Vanity Teen：您的工作室是什么样的？可以描述一下吗？在其中创作，灵感是否会得到激发？
Grace：我的工作室的布置和氛围是让我感觉平静，简单，原始的。粉色的墙壁上挂满了我的Bloom Belles，以及同不同品牌合作的一些作品等。我尤其偏爱早晨画画，喝杯咖啡，开始我一天的工作。我也喜欢收藏各种装置艺术品，将他们不规则的摆放在工作室里，时不时变换一下位置，当然还有我最爱的插花艺术，我喜欢去花市挑选各种当季的鲜花，并将它们搭配起来，看着这些盛开的花朵改变心情的同时，有时也会为自己带来许多灵感。
Vanity Teen：潮流明星艺术家、摇滚明星、潮牌主理人、时尚艺术博主 … 集多重身份于一身的您，如何解读它们之间的关联？
池磊：这些身份对于我来讲既是每一段人生的经历，也是经过沉淀后我最热爱的工作，他们之间相互关联，每一个领域都能给我带来不一样的创作灵感，即互补又能让创作状态不拘泥于惯性的乏味中。摇滚乐是我对流行文化的重要启蒙，早期的唱片封面和风格迥异的音乐让我对艺术有了更全面的吸收能力，同时摇滚乐中最重要的独立美学精神也正是我今天在任何领域创作中最坚实的表达内核。
Vanity Teen：BVLGARI 与您跨界合作的灵蛇形象艺术作品，灵感源于哪里？
池磊：我经常会思考我们生活的世界是否是真实的？当我们的记忆通过技术手段完全复制之后我们在数字世界里同样可以像现在的世界一样真实，这要是我非常喜欢《骇客帝国》系列的原因，在创作BVLGARI 这个作品的时候，还没有如今火爆的元宇宙概念，我的一念中这个蛇就是一个脱去伪装的先知，他是来自虚拟世界的时空穿行者。
Vanity Teen：疫情期间有没有新创作？作品灵感源于哪里？您想通过它表达什么？
池磊：可以说疫情期间是我创作的最高产时期，哈哈。因为有了更多的时间在家里思考和创作，疫情早期整个社会都陷入了恐慌和未知的恐惧，然而在经历了这些之后，我反而觉得更应该创作更多的“天真无邪”系列去表达更积极乐观的态度。因为内心世界的富足也同时能够让时代变得更美好。
Vanity Teen：您的创作受疫情影响了吗？和我们分享下感受吧。
Kaji：疫情期间， 让我有时间去重新思考我们所生活的世界与人类，在我看来，这个世界上的所有事物，都是相互关联的，我们与所有的生态都是一个共生的关系，即使是非常细微的局部变化，都会导致整个链接的关系得以改变， 所以我想表达的是，这个共享生态系统对每个在地球上生活物种的重要性。首次被疫情限制出行时，我带着这些思考创作了系列新作，名为“个人生态系统”，作为系列插画作品，它描绘了一个新世界，这个世界每人都有自己的“生态系统泡泡”，这使得他们能够不依赖任何外部的东西便得以生存和发展。在这个我创造的世界里，我得以有机会去探讨很多话题，比如自然资源的价值和我们对其所依赖的程度以及人类无法避免的潜在精神上的竞争感。当我们面对稀缺的自然资源时，我们个体是如何形成新的族群来争夺资源，我们穿上不同颜色衣服，甚至在我们的吸氧泡泡里放上不同种类的植物来区分不同的族群。
Vanity Teen：为什么创作生肖系列？请分享下它背后的故事。
Kaji：首先，我被黄历背后的构思深深吸引了。因为它可以在不遵循递增顺序的情况（例如 2021 ＞2022 ＞ 2023）下运行 , 但它每 12 年都周而复始地循环着生肖动物，这太有意思了。所以我觉得这个“不以数字为计算方式，却以动物隐喻为主”的历法给我提供了丰富的灵感素材，因为我每年都可以探讨一个与动物及其特征相关的主题，并从中衍生出些有趣的新想法。而今年是水虎年（农历壬寅年的通俗叫法），所以我创作了以蓝虎为主题的作品。之前我就被蓝虎的形象深深吸引了。蓝虎是非常特殊的老虎品种，据说它存在着，却从来没人见过。对我来说，蓝虎是我们渴望的完美典范，它的形象源于没有深刻理解自己个性的前提下，我们所看到的“完美”表象。为了努力达到目标，我们像“杂技演员”一样生活着。大家肩上扛着的“小蓝虎宝宝”们，是我们的激情与希望化身而成的。但逐渐地，它们开始加强对我们“表演”的控制，并无形中对我们的行为施加压力。
Vanity Teen：现在在上海生活和工作，您感觉如何？
Kaji：我觉得这个城市总是在变化，一方面，让人们有更多机会及接收不同外界的新鲜事物，这是好事。但我也觉得，在其快速发展时，人们有时很容易忘记进行深层思考。我试图用细致且非常慢的速度来创作一件插画作品，也是为了给一个让自己深层思考的机会，而这也是我自己艺术与插画项目的创作理念之一。我花时间去完善我的作品，让他们有足够多的时间去沉淀，让它们发挥自身的潜力，从而展现出多个角度的思考启迪。
Vanity Teen：您最满意自己哪件作品？为什么？
Kaji：最近，我喜欢创作一些探讨自然、科技和人类之间关系的作品。我开始在作品中提出问题：对于自然资源来说，人为管理所创造的幸福“泡泡”，我们是被动享受着它，还是试图控制它，对每件事都事必躬亲地进行细节监督？
Vanity Teen：您现在在做什么？可以谈谈当下创作的新作品吗？
Kaji：因为出国旅行可能性变得更小，所以今年我有更多创作时间用来专心画画。我正回顾我绘画本里自己所收集的所有关于未来艺术作品的想法，并逐步扩展它们。现在，我正为“个人生态系统”系列添加新作，并继续创作一些与自然、科技和人类有关的新作品。
Vanity Teen：您的画作常赋予人治愈、宁静感受，对此您怎样解读？
马英戈：这几年我的生活其实很单调，也没什么社交，画画一直是我精神上的避风港，可能是我内心需要治愈吧。我不确定我作品是否能给观众治愈、宁静的感受，如果真是如此我挺开心的。
Vanity Teen：这样纯净且童真的作品，灵感往往源自哪里？
马英戈：我获取灵感简单来讲就是把意识里自认为有意思的碎片整理组合表达出来。平时我比较留意自己的感受和闪念，只要打动我的都会时不时的保存记录，创作时就会想办法拿这些营造出我认为有趣的画面。其实极度无意义的过程，也就是描绘这种“无意义”填满了我很多无聊的时光。如果作品让您感到了纯净且童真那是我的荣幸。
Vanity Teen：当初是如何踏上艺术创作这条道路？成为艺术家，对自己来说意味着什么？
马英戈：当初就是还想画画，还有野心，变成自己想成为的人。
Vanity Teen：跨界如此火热的当下，您对“艺术商业化”持怎样看法？
马英戈：我觉得现在还远远不够火热，只是刚刚开始。我们要知道历史上的伟大艺术之所以伟大，有一部分原因就是作品传播的广度和深度，某种意义上来说就是被印刷和谈论的次数。而如今作品传播渠道多元，但归根结底还是离不开商业。我从不拧巴艺术和商业的问题，因为这本来就是两个问题，不能混为一谈。艺术家在工作室可以对作品为所欲为，但是作品出了工作室必须遵守市场规则。
Vanity Teen：平时家里养宠物吗？最喜欢什么类型的动物？
马英戈：我没养过宠物，可能动物画的多，大家对我有种误解，哈哈。
Vanity Teen：儿时梦想是什么？如果让您拥有一次可以改变职业的魔法，最想成为什么？
马英戈：我从小立志就想当一名画家，现在应该说是梦想成真了，但还需要努力。如果可以改我也只希望成为我自己。
Vanity Teen：童年时，您时常往返两岸三地生活，对此经历最大的感悟是什么？
汪可儿：节奏感，各地生活有不同的节奏感，体现了三地人对于生活的态度。
台北最慢，香港最快，现在生活所在的上海算是处于前两者节奏的中间。台北的态度表明工作只是支持生活的手段，但绝不是答案。香港则截然相反，工作在生活中占有极大的比重，且可以说，部分代表了人生的答案。所以香港人很少会有迷茫和台式文艺腔下的忧郁，花更多的时间讨论房价和经济，深信只要一直在努力工作，生活在物质和精神上都会给予答案。对于实际的上海来说，工作和拼搏是必需的，但以此毁掉闲适生活的机会，也是不可容忍的。所以其生活也处于一个较为平衡的状态，但这种节奏在更多人涌入上海的状况下逐渐加速。
我离开香港来到上海生活已有三年时间，对于日常的生活边界有了更新的认知。香港和台北相对来说在文化认知和地理的疆界是统一的。这两个岛屿的边界即是其文化的疆域，但上海则第一次让我感受到，日常生活中遇见大量想法和价值观都截然不同的人。其次，多次日常自驾旅程中轻易的穿梭于江浙沪，甚至远至福建，身体直观感受到边界被轻松突破，地理和文化不再有清晰的界线。土地和文化的深度以及广度被直接感知，原本割裂、抽象的文化变得动态且相互缠绕。
这些在生活中不断冒出的变化影响，让我非常习惯于接收新鲜事物，热衷于冒险，勇于新的尝试。我的创作灵感常来于在中国、⽇本、澳洲和欧洲的数次长途旅⾏和公路旅⾏中的⾒闻及想像，在东京生活的家人们也常给我带来多于短暂旅行的社会文化认知。受到世界各地独有的风貌及⽂化，我的绘画中的「故事」中带有童话式的世界观，探讨⾃然与⼈造物的抽象联系，并尝试着模糊现实、回忆和想像⼒的边界，观看超越表⾯的事物本质。
Vanity Teen：您的画常运用“治愈系”色彩，可以分享下自身对色彩的理解吗？
汪可儿：色彩是一种出于观者个人感受但同时融入时代语境的混合产物。但对于升为创作者的我来说，色彩的组合和表达，只代表艺术家本身的感受，且是复合的，非简单一对一和语言上词汇的对译。如果我说“橙色代表愤怒，蓝色代表克制，桃红色代表冒险，粉色系则代表梦境” ，但这一套情感色系只属于我。
画中的色彩可以是“治愈，自由，浪漫”的注释，它们也可以是各种新的表达或体验，如果激起观者对于这些词汇的感受，那是因为观者自身的语境所导致的，色彩是一种非常个人但同时融入时代语境的表达，也是观者对于自身感知的探索。
Vanity Teen：“奇妙星球”这个系列是怎么诞生的？跟我们分享下它的故事吧。
汪可儿：我会说，小王子就是一切的开始。带着欣喜，悲伤，对玫瑰和夕阳的爱，在星球间游荡这种行为，就是画面中一切元素的由来。可能并没有表达地那么直观，但是请相信我，一切都是小王子。
在前年初至今，我原本的多地生活轨迹被COVID-19中断了，只能通过科技与远处的家人和朋友们联系，这种不实在且虚无的接触，像是人们处于不同的星球或岛屿上，因此去年中开始创作“奇妙星球WONDERLAND”系列，并有着不同的篇章，以童话、抽象、数码等方式表达。
在最开始的童话篇的“漂浮小岛THE ISLAND”我无意中传递出纯粹又呆萌的个人特质，反转的岛屿、倒立的盆景、透明的积木组成了梦幻又超现实的世界观，我的创作之旅由此开始。而抽象篇的“公路历险THE ADVENTURE”加入了流体丙烯作为不确定的因素，绘画的状态更为张狂自由，像是旅程中识随着⻛景的变化⽽漂移，期待遇到的各种未知而美丽的惊喜。同时，我作为在职已久的室内设计师，热衷于各种立体模型制作，因此3D数码篇的“新世界NEW WORLD”中，用平板建模复刻了“奇妙星球”系列之初的画作元素，最近的创作中加入了猫咪Twinkle，做成数位印刷版画，与上海的社区咖啡和公益机构合作，为救助流浪动物义卖。
在创作过程中，我很少起草稿或者预想画作最后的完成形态，而是先以当刻的感觉自然而然的在画布上涂抹，时间和感受会带领着我的手自由的表达，对与我，每幅画都是充满惊喜且不可复制的，因为我已无法捕获相同的内在状态进行同样的描绘。创作完成后，不得不以系统化的方式将画归类并形成系列及篇章，但这总是无法预判的。这也是对我来说创作过程最有趣的一部分，和旅行一样，充满未知的惊喜。
Vanity Teen：如何看待艺术与商业的结合？未来倾向于什么类型的合作？
汪可儿：艺术一直以来都是商业的，所有的“艺术品”几乎都是来自于’‘订单“，变化的是”客户“。以往的客户只有国王，贵族和教廷，随后时代的变化，现在几乎所有人都有资格”下单“，而且更趋年轻化。
场景也从宫殿的舞厅、教堂，渐渐扩展到吸烟室的壁炉上。然后出现在公共艺术馆，最后，商场，零售场所，咖啡馆甚至街头。时代的印记让人们看到了20世纪后急速实现的民主化和权力的下放，”艺术“和”知识“一样，随民主和当代化进程中被的稀释和模糊的阶级一起被带入到原本不曾出现的场景里，并传递到更远更广的场域。
我对于”艺术“和各种经济行为的结合没有任何设限。可以看到“艺术“走入大众视野并融入在21世纪的社会生活中，从中折射出社会和历史的进程。而艺术可以承担比以往更广泛的意识传递，出于个人对于帮助别人或者”别猫“的偏爱，近期将与上海的社区咖啡馆及动物关爱公益机构合作，义卖作品以帮助流浪毛孩们筹款，拍卖画作所收到的收入会全部捐出用作救助小动物们。在未来，我希望可以通过“艺术“，让大家感受到对于自然和生命的热爱，并一起传递这种美好又浪漫的信念。
Vanity Teen：您养了猫？它（们）的性格如何？您画画时它（们）在干嘛？
汪可儿：猫咪是一种神奇的动物，有着各自不同性格，我家领养的田园猫Twinkle既倔强又温和，是个好奇宝宝，对于到访的朋友及猫咪十分友善，并总是能在人类做重要工作时准确的开始捣乱，尝试捕捉在挥动的画笔，而我要及时逮住并仔细的清洁沾上颜料的猫爪，这也能算是猫科“行为艺术“。我有非常多的猫奴朋友，与人类生活的动物们多多少少都带有它们室友的性格，它们是人类生活的陪伴、情感的投射、灵感的来源。
BBKK鲍永亮，跨界艺术家、CUT STUDIO主理人、上海魔务文化创始人主理人。除了是潮玩设计师以外，他还是2022年冬奥会吉祥物“雪容融”主创团队成员、吉林艺术学院数字动画系主任。
Vanity Teen：您最初是如何与CG艺术结缘的？给我们说说背后的故事吧。
鲍永亮：一个是大学时的经历吧，那时候长期给刊物画插画，写商场POP海报勤工俭学，突然有一天看到了高年级同学用电脑，只用了一天做的一张图竟是我将近一个月赚取的酬金，于是我决定要学会电脑作图。
还有一个就是，我那时被bule sky的《冰河世纪1》这部3D动画片所打动，直到目前也是我最喜欢的动画片之一，可能是他打破了我以往对3D动画很假，很生硬的塑料质感的认识，原来三维动画也能把人物刻画的这么活灵活现，完全被故事吸引，即便目前的动画技术如此先进，但我依然经常跟女儿一起看这部经典的动画，以至于台词几乎我们俩都会背读，我想这些就是我跟CG的最初相识哈哈！
Vanity Teen：作为北京2022年冬残奥会吉祥物“雪容融”的主创成员之一，最先接到设计任务的时候，您做了哪些准备？以及最后是如何确定下来它的形象？
鲍永亮：这个事情起初我是毫无准备的，当时正在欢度新年假期，也是我承诺家人多次终于实现了的第一个海南新年之旅，结果刚落地，海边的鲜润空气都没来得及呼吸一口，急促的电话铃声把我直接拖回了长春，电话内容大概就是——有紧急任务，涉密，电话中不方便说，速回！…就这样我像一个准特工一样抛弃了家人，加入了这个一进入工作状态就是将近一年的“小黑屋”，这个临时工作间90平米，四室一厅一厨一卫，暂定名称为“1.25项目组”，是我们吉林艺术学院的专家公寓，因为涉及的项目是保密的，我们不能在正常的教学实验室进行创作，所以我将这间公寓所有对外的窗户都用报纸糊满以防方案泄密，因此得名“小黑屋”，记得最有趣的就是我出入的敲门都是有安好的——“当当，当当，当当当”，就这样，包含原创作者姜宇帆同学共16人的2022冬残奥会吉祥物设计团队就正式进入工作状态了。
后来才知道，在我回来之前，学院已经组织部分相关设计学科的老师进行了将近一个月左右的项目推进，首先是新年前接到奥组委通知，我院姜宇帆同学设计的“冬残奥会吉祥物”（那时候还没有具体的名字），从6000副参赛作品中入围100名的喜讯，但目前还要通过组建团队进行造型优化，还要面对100个设计单位和团体的终极PK，所以才把大家从四面八方召集回来，举全院之力完成这个学院空前重要的项目，于是在接下来的一年时间里，团队通过反复推敲与创新尝试，并结合无数次的奥组委评审会指导，像好莱坞大片一样，历时一年，从100晋10,10晋3，最终与广州美术学院分别完成了两个冬奥会吉祥物的最终设计，我们的“雪容融”就这样诞生了！结果也正如大家所见，冰墩墩和雪容融在媒体传播上取得了不俗的反响，受到了人们的喜爱，尤其这几天正逢雪容融正式“上班儿”，我们团队也打算相约再次庆祝这一荣耀时刻！
当然这里所经历的是无数个寝食难安的投稿前夜，大家上万张原画和三维设计图的稿子以及无数个不能与家人团聚的节假日，这段经历我感觉很像一部励志的电影，并且结局很圆满！
Vanity Teen：您的数字版画作品中常出现宇航员和大面积留白，可以解读一下其所代表的含义吗？
鲍永亮：我喜欢放空，我就是那种一个人在海边可以呆呆的坐一天的人，所以宇宙和深空是我神往的，那种隔绝，孤寂与独立与其说是一种逃离，倒不如说是一个人的浪漫，宇航服面罩和留白都是深不可测，充满无限可能性的概念，所以我感觉这样的元素放在创作中，也是在邀请别人欣赏你作品的同时给观赏者一席之地，共同为作品延展思绪。
但话说回来，目前我所从事的潮玩设计有很多时候不太允许这样的设计，因为现在大多数人们还是喜欢“具象”或者叫做“具体”的内容去观赏，不喜欢烧脑，生活已经不容易了，何必看一个创作还要绞尽脑汁，花钱买罪受呢!
但我总相信还有一小部分人跟我一样，喜欢一探究竟，痴迷于留白和面具下未被探知的表情，举个栗子，譬如画中的一扇虚掩的房门，下面流出来红色的液体，如果我告诉你这是番茄汁，也许你会觉得我在躲避话题，但你如果认定那是鲜血，那此时你和我就是这个作品的“共犯”,这其实才是艺术本质的一表述方式吧！
Vanity Teen：从创作者角度来看，您觉得什么是“潮流艺术”？
鲍永亮：“是谁出的题这么难，到处都是正确答案”（邱天的著作），潮流艺术分门别类的帖子正拯救者无数求知若渴的新潮人，就像我曾经花了很多精力去翻阅论坛关注公号，以至于能很快在朋友手机展示的图片中将那些潮流门派脱口而出，而且有名有姓有族有宗，哪怕arttoys与Designertoy的略微区别，Sofbi高贵的身份以及潮流被致敬和被抄袭的巧妙躲闪，更不用说安迪沃霍的popart先驱，但现在我其实对自己研习了这些而感到一丝羞愧，这是对自己创作的多么不自信才会让一个深受设计科班折磨了半辈子的人在这里继续作茧自缚呢，所以现在我认为，潮流艺术之所以叫潮流，就是它与大海的潮汐是一样的概念，人们在潮流里面游走，就跟在海边拾贝是一样的，你捡到的新贝壳不会在下一波潮流中再出现，所以我们不可能在之前的作品中沿袭，它不像古典艺术，越学习越深厚，暗香涌动，潮流转瞬即逝的属性也是人们喜欢它在消亡前一闪的快感，象流星，我们应该了解他的规律，最新流行的一定是之前没有出现过和存在过的，这个市面上好像几乎没有一个品类火了，没过多久就又出现了一波一样的品类，再次火起来的案例，当然有人会杠Bearbrick总是一波又一波的火，我指的是不同的工作室推出的同质类产品，即便是再现，也是改头换面，卷土重来的震撼，而不是简单的复刻，我们应该做的是找到一种艺术表现语言，深耕，沉淀够了，自然会成为经典，需要时间，我们每看到的每一波浪潮，都不是从天而降，而都是通过大洋洋流绕遍了整个地球，才来到你的脚下冲刷了一下你的小腿！
因为工作属性的原因，近些年的工作中也不得不思考关于潮流文化这些问题，但终因自己与潮流格格不入而自行惭愧，但既然面对媒体，对也好错也罢，总要总结一二，让大家评头论足一下，所以象征性胡乱总结些跟潮流相关的创意方法和一些肤浅的认知，但我的前提是这些都是我的实践所得，并非信口雌黄，我尽量拿我的实际案例分享。
首先我认为作品要具有吸睛的力量，这个里强调的不单纯是作品看着好看那么简单，“熟悉的陌生感”是我与“艺术花生”的创始人吴向峰先生学习到的最实用的一个实战法则，譬如玩型填空的VK世纪之吻，这个本身就是人们所熟悉的象征和平的经典元素，然后在其基础之上进行设计改造，给人眼前一亮的感觉，我们与艺术花生签约的版画作品销售数据良好，目前已经推出VK2.0系列，并成功与RED丽芮连锁酒店签约，成为我们炙手可热的授权单品。又譬如玩型填空的PARTS画框系列，人们会通过这个作品找到高达等那些儿时玩具“流道和水口”的记忆，当人们看到了这些印象中的东西，人们才愿意驻足继续解读，所以这样的作品才有可能成为经典，即便流道和水口是我们在组装模玩时会丢弃的废料，但是这些都不影像他成为我创作的元素，也正因为这个创作，PARTS（零件儿）系列与Zippo达成了合作，在单只火机过千元的高额售价下，完成30000余支的订单，成为了zippo近些年的话题产品，我想这些都跟这打造“熟悉的陌生感”的方法论有关吧？其次就是将曾经的经典转化维度，曾经的老去的经典文化、物件儿我们可以尝试着把它通过绘画的方式重新诠释转换成2D语言，当然也可以反过来为之，尤其当下数字技术发达，我们可以将很多曾经绘画甚至漫画中的元素（不是人物）立体化，成为有趣的视觉语言，加上独特的内涵，这些都可能让经典化身为“潮流”卷土重来，譬如玩型填空的新品，“打成一片”(Kick ass)系列即将在4月份的PTS与大家见面，至于它能有什么样的表现目前还不得而知。
再有就是营造组团的家族系列设定，人物丰富多元，除了有故事可讲之外，人物排列能轻易地营造出及极其华丽的构成关系，有大有小，错综复杂，会成为地产与美陈的宠儿，MODOLI家族系列就因为得益于人物系列众多，目前多达二十几个设定，所以每逢合作，联名方都会从中艰难遴选，除了地产，2021到2022，MODOLI与世界五百强品牌AMD合作的两批联名品捆绑向潮玩与3C用户献礼，也是选择了家族系列多个人物，目前也开发到2.0冰雪主题“超威量子机动队”为冬奥助力。这个组团概念的好处是你可以使“陌生脸”，没人认识，但是当它们整体出现在公众面前是，场面是震撼的，体现了人多力量大的一面，当然，这也是双刃剑，娃多了也难养，消耗也指数增长，工作室人员配给就要增加，有利有弊！最后一点有就是与高科技跨界，对，没错，科学与艺术本身就是一奶同胞，新媒体的介入，NFT也好，数字版画也好，新科技加持下的领域就因为够“新”，就一定够“潮”，而且数媒的世界里更新频次迭代效率远超现实世界，举个栗子，我们在现实世界中开发一款鞋子或者玩具，可能要数个月甚至一年时间，而我们在虚拟世界中创作产品，所见即所得，不需要研究面料工艺，颜色调配过程中的色差比对，尤其异地设计师往返工厂和工作间的窘境，包括结构测试等那些繁琐工艺上所消耗掉的大量时间，毫不夸张的说，我们花一天时间设计的火箭，晚上我就能可以把他放飞，尤其NFT数字认证技术让这种持有同样可以满足我们的“产权”需求，所以不要因为新而拒绝，要勇于尝试，我们21年年末与NFT（中国）联合开发的玩型填空初代NFT系列作品已经上线，也获得好评如潮，尤其在二维粗陋的NFT当道的当下，我们把玩法和盈利放在最后，坚持推出既精品的“玩型”精神，打动每一个爱我们的人，第二轮数字产品在创作中，大家可以关注！
无论怎样我坚信，只要做到内心炽热而且顽强的潮流骚人，勇于花大把时间为自己个性买单，不断创新，爱自己的创意，相信时间，每一个后浪都有可能在这个领域成为巨浪！祝我们都有好运吧！
Vanity Teen：工作之余，最大的兴趣爱好是什么？为什么喜欢做这件事？
鲍永亮：两件事，陪女儿玩和喜欢在树林中发呆，听虫鸣。因为创意会涌现哈哈！
欢迎来到国内新生代潮流艺术家 Daiv 的狂欢艺术派对，这是一个真实且怪诞、充满黑色幽默的世界。无论是致敬经典《最后的晚餐》还是“DAIV 帽子小人”IP 系列，Daiv 始终充满年轻世代的批判与独立精神，以其独特视角创作出风格鲜明的个人作品，用艺术表达真实自我。
Vanity Teen：HIP-HOP 风格涂鸦非常特别，您从什么时候开始接触涂鸦创作？
DAIV 陈伟豪：我从高一开始就是尝试夜晚在无人的街上用喷漆表达自己的心里话，那时候涂鸦的状态就完全是自发的，不受外人影响，不像许多人喜欢跟风那样看见别人涂鸦很酷所以也涂鸦，因为那是形式上的，那种人是为了涂鸦而涂鸦，而我一开始的初衷是为了表达而去涂鸦。这才是纯粹的黑怕。直到后来高二知道英国有个叫banksy的人，然后他成了我的榜样。
Vanity Teen：跟我们分享一下 IP 形象“DAIV 帽子小人”的创作灵感吧。
DAIV 陈伟豪：DAIV 帽子小人其实画的就是我自己，那时候我处于一段失败的恋情无法走出来，我才尝试用画画来抒发内心的压抑感，把当时哭的 DAIV 画成了永远只会笑的 DAIV，这就是我这个 IP 一开始的由来。
Vanity Teen：您创作了一系列《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》《带黄金耳环的少女》等致敬名画的作品，创作背后有什么更深层含义？
DAIV 陈伟豪：这几幅作品都是表达抨击消费主义，侧面反应国内现在艺术市场某些个别畸形的产业，例如潮鞋，甚至可以上升到炒房。
Vanity Teen：回顾自己的所有作品，最满意的是哪一幅？为什么？
DAIV 陈伟豪：我最满意的一幅作品是《胎儿画家》，其实如果实话实说的话，我最满意的是《SWEET HOME》，因为它表述了太多太多，虽然它是揭露负面的，但是只有负面被公之于众的时候大家才会去改变它不是吗。
Vanity Teen：疫情期间对创作影响大吗？比如灵感进入爆发期或沉淀期？谈谈自己对疫情的感受吧。
DAIV 陈伟豪：疫情期间对我的创作影响非常大，因为疫情我去年在韩国毕业后在当地滞留了一年，那一年我过得非常艰辛，也催生出了许多我的作品，我希望新冠赶快结束，真心希望，它已经改变了这个世界上大部分人的人生轨迹了。
从服装设计师到刺绣艺术家，85 后匠人石佳冉用心、时间与双手去创造美好，探索刺绣更多美的可能。她说，刺绣本质上是针与线的交织，自己希望赋予作品更多生活的意义，让刺绣艺术之美无处不在。
Vanity Teen：作为一名刺绣艺术家 , 您认为法式刺绣与中式刺绣相同与不同之处是什么 ?
石佳冉：刺绣都是用心用时间用双手去创造的美好，通过丝绸之路，从东方传播到了西方，本质上是针与线的交织。在我手中，它更多赋予我的是生活的意义，无论哪种方式的刺绣，教会我一直往前走，探索更多美的可能。中式刺绣拥有久远的历史，古代妇女用线装饰了服装服饰，以此衍生出了更多以线为主的刺绣手法，其中蚕丝线为主的刺绣更为人熟知，丝线温润的光泽和细腻也诉说着中式刺绣的温婉大气以及无可比拟的精致。前不久我去旅行，特意到苏州有名的刺绣小镇上参观了刺绣博物馆，站在这些绣品面前，深思了很久，她们的刺绣远比我想的丰富。一根线，演变了几十种针法，是对一种材质的精益求精的态度，而这种精神也是印在我们骨子里的。法式刺绣这些年被更多人喜爱，色彩斑斓的亮片管珠，让我感受到刺绣材质的多样性。我很羡慕她们拥有那么丰富的辅料，上学的时候，因为品类太少了，市场上流通的辅料很多都是无法制作出这些刺绣的，想要做好法式刺绣，对于辅料的要求就会比较高，有时候需要自己去创造辅料，是对刺绣以及设计的更高要求。这两大类刺绣，我都喜欢，想要将中式西式融合，中国人讲究的就是和，刺绣从丝绸之路流入西方，如今再轮回东方，每一次的往返都会带给我们更多更好的艺术品。
Vanity Teen：您与瑞士高端护肤品牌 VALMONT 法儿曼所跨界合作的刺绣艺术品以及胸针，其精美外观的背后寓意是什么 ? 跟我们分享一下吧。
石佳冉：在 INS 上，法儿曼的负责人找到了我们，他们想让我设计一个关于他们新产品的刺绣，我很喜欢这种跨界，将刺绣应用到更多的领域。但是那个时候临近除夕，我们定好了去巴厘岛旅行的安排，所以整个设计过程差不多是在旅行的过程中沟通和完善的。从北京到巴厘岛，严寒到酷暑，从花木凋零到枝繁叶茂，仿佛一时间，灵感泉涌。这款新产品是关于女性皮肤紧致修护系列的产品，由他们的护肤专家研发出来。将产品的 LOGO 绣出来，是我最开始做的一步，我想与这个产品有个正面的接触，负责人也将新品寄到我这边，把产品的容器的造型用刺绣，垫绣，还有制包的工艺结合起来，并提炼了一些产品成分元素，他们以往的产品中也有蝴蝶和蜂巢的概念，也一同加入作品中。来自欧洲的立体刺绣蝴蝶，代表着 VALMONT 品牌的蝴蝶护理手法，化身美丽的蝴蝶带走岁月的痕迹。一瓶来自于瑞士 VALMONT 护肤珍品。蝴蝶嗅到花香，翩然而至，瓶子上每一朵花都与分子结构和 DNA 旋转链紧密结合，象征使用 VALMONT 产品的客人与 VALMONT密不可分的亲密关系。最后品牌方想要参与活动的 VIP 一个纪念品，就将品牌独特的配色和代表他们的蝴蝶与刺绣结合，诞生了两款胸针，在场的客人也都参与到了制作。
anity Teen：您曾为梵克雅宝设计团扇，大气婉约。最初接触“团扇”这一传统手工艺并选择创作的原因是什么 ?
石佳冉：原本我是做婚纱设计的，喜欢看到最最精致的刺绣表现在这些服装上，而婚纱一定一个女人最美的时刻之一。后来自己创业的时候，我问过我自己几个问题 :1: 到底是喜欢婚纱还是喜欢婚纱上的装饰？我当然是喜欢装饰了，因为它可以不拘泥于服装这一个题材。2: 除了解决温饱外，做这件事的意义是什么？它在于树立自己的自信，也想借由这些来表达自己对于生活的态度和传播给更多人去欣赏。3: 如何独出一帜？我想用一个载体，一个中国特有的载体去表现中国文化。然后结合自己的所见所闻，绣在其中，就像是以针为笔，以团扇为纸。于是，几个问题下来，我最终选择了团扇，或许很多人不懂它的价值，有时候也很纠结，但是一到这种时刻，我就告诉我自己，要坚持，要摒除杂念。我想我只要一直做，别的事情都交给时间，它会证明我存在的意义。
Vanity Teen：为华为手机高级定制“极光闪蝶包”和“珠光贝母包”，这两件极致奢华的作品从构思到制作一共有多少工序？灵感源自哪里？
石佳冉：随手做了一只蓝色的刺绣小蝴蝶，发在 INS 上之后，有很多人点赞，内心是特别欢喜的。一个多月过去了，机缘巧合下，与华为手机合作，一月前的那支蓝色蝴蝶的色彩瞬间我眼前浮现。立体的四只蝴蝶萦绕在手机两端，铃兰花枝编织出包包的背带。如何不影响手机外壳的颜色下，还要能展示出这些手艺。手机本身是一个载体，分得清主次之后才能把设计做好，选材的时候，反而还会选一些黑色，深蓝色的水晶。隐隐约约的光芒才是我想要的。蝴蝶用到了野生的羽毛进行创作，以点翠作为根基，用最传统的羽毛绣技法，一根根绣出闪蝶的羽毛；为了使羽毛层次更丰富，还用到长短针刺绣、珠绣，叠片绣等技法。除了蝴蝶，散落在机身和藤蔓包带各处的花朵和花瓣有 500 朵，一朵朵手工烫制而成，一片花瓣左右各一个颜色，蓝色紫色之间还要过度的自然些，每片都经过了湿染和补染两次晕染，总共经过上千次的晕染。就这样经过数百个小时的精雕细琢，才有了这款融合东西方高级定制核心工艺的“极光闪蝶包”。这个包大功告成，完美 ENDING 之后，想挑战一个更简洁但更有仪式感的作品，华为同时出的另一个有自然光感的手机，来源于海洋灵感，于是《听海》的创意就诞生了。以珍珠海洋为主题，应用的大部分是天然的材料，比如说珍珠和贝壳，最有趣的事就是我们用滴胶铸模的小海马和小螃蟹，这些水生物的组成，都是为这份梦幻增添了一份生机。这款贝母包包也让我们突破了传统的设计，让它更像是一件带有科技感的艺术作品，对于这种跨界的设计，可以让手工艺与科技联系的更紧密。生活里的美，在于发现，作品里的美，无论是科技还是艺术，都在于灵感的落地、想象的还原和创造的勇气。
Vanity Teen：疫情期间有没有新创作？作品灵感源于哪里？您想通过它表达什么？
石佳冉：疫情期间，我想很多人都跟我一样焦虑，我将这些情绪转化为灵感，做了一个新的探索。一个人在家又重新看了一次科幻电影《海王》，对于我这个科幻迷来说，消失的亚特兰蒂斯是那么的神秘，选用了透明珠片，这种干净清透的作品也是对自我价值观的一种传达自信善良且对未来世界充满希望。栉水母或许是动物们的首个祖先，这也是我在作品中加入水母的一个原因，用它的力量去拯救残缺的城堡 … 城堡中有描述外形飞船的模样，也有希腊式的柱子，似乎只剩下了空架子，在水中无阻力的被水母移动 … 这就是我对某一个角落的亚特兰蒂斯的幻想，每个人看过影片后都会有自己的感受，在空间时间以及逝去的亚特兰蒂斯中，我感受到了大海的神秘和这个世界的不凡 ..
