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Category: 艺术

2024年9月16日

新天才｜马英戈 : 恍若星辰

Vanity Teen：您的画作常赋予人治愈、宁静感受，对此您怎样解读？

马英戈：这几年我的生活其实很单调，也没什么社交，画画一直是我精神上的避风港，可能是我内心需要治愈吧。我不确定我作品是否能给观众治愈、宁静的感受，如果真是如此我挺开心的。

Vanity Teen：这样纯净且童真的作品，灵感往往源自哪里？

马英戈：我获取灵感简单来讲就是把意识里自认为有意思的碎片整理组合表达出来。平时我比较留意自己的感受和闪念，只要打动我的都会时不时的保存记录，创作时就会想办法拿这些营造出我认为有趣的画面。其实极度无意义的过程，也就是描绘这种“无意义”填满了我很多无聊的时光。如果作品让您感到了纯净且童真那是我的荣幸。

Vanity Teen：当初是如何踏上艺术创作这条道路？成为艺术家，对自己来说意味着什么？

马英戈：当初就是还想画画，还有野心，变成自己想成为的人。

Vanity Teen：跨界如此火热的当下，您对“艺术商业化”持怎样看法？

马英戈：我觉得现在还远远不够火热，只是刚刚开始。我们要知道历史上的伟大艺术之所以伟大，有一部分原因就是作品传播的广度和深度，某种意义上来说就是被印刷和谈论的次数。而如今作品传播渠道多元，但归根结底还是离不开商业。我从不拧巴艺术和商业的问题，因为这本来就是两个问题，不能混为一谈。艺术家在工作室可以对作品为所欲为，但是作品出了工作室必须遵守市场规则。

Vanity Teen：平时家里养宠物吗？最喜欢什么类型的动物？

马英戈：我没养过宠物，可能动物画的多，大家对我有种误解，哈哈。

Vanity Teen：儿时梦想是什么？如果让您拥有一次可以改变职业的魔法，最想成为什么？

马英戈：我从小立志就想当一名画家，现在应该说是梦想成真了，但还需要努力。如果可以改我也只希望成为我自己。

2024年9月16日

新天才｜汪可儿：奇幻星球

Vanity Teen：童年时，您时常往返两岸三地生活，对此经历最大的感悟是什么？

汪可儿：节奏感，各地生活有不同的节奏感，体现了三地人对于生活的态度。

台北最慢，香港最快，现在生活所在的上海算是处于前两者节奏的中间。台北的态度表明工作只是支持生活的手段，但绝不是答案。香港则截然相反，工作在生活中占有极大的比重，且可以说，部分代表了人生的答案。所以香港人很少会有迷茫和台式文艺腔下的忧郁，花更多的时间讨论房价和经济，深信只要一直在努力工作，生活在物质和精神上都会给予答案。对于实际的上海来说，工作和拼搏是必需的，但以此毁掉闲适生活的机会，也是不可容忍的。所以其生活也处于一个较为平衡的状态，但这种节奏在更多人涌入上海的状况下逐渐加速。

我离开香港来到上海生活已有三年时间，对于日常的生活边界有了更新的认知。香港和台北相对来说在文化认知和地理的疆界是统一的。这两个岛屿的边界即是其文化的疆域，但上海则第一次让我感受到，日常生活中遇见大量想法和价值观都截然不同的人。其次，多次日常自驾旅程中轻易的穿梭于江浙沪，甚至远至福建，身体直观感受到边界被轻松突破，地理和文化不再有清晰的界线。土地和文化的深度以及广度被直接感知，原本割裂、抽象的文化变得动态且相互缠绕。

这些在生活中不断冒出的变化影响，让我非常习惯于接收新鲜事物，热衷于冒险，勇于新的尝试。我的创作灵感常来于在中国、⽇本、澳洲和欧洲的数次长途旅⾏和公路旅⾏中的⾒闻及想像，在东京生活的家人们也常给我带来多于短暂旅行的社会文化认知。受到世界各地独有的风貌及⽂化，我的绘画中的「故事」中带有童话式的世界观，探讨⾃然与⼈造物的抽象联系，并尝试着模糊现实、回忆和想像⼒的边界，观看超越表⾯的事物本质。

Vanity Teen：您的画常运用“治愈系”色彩，可以分享下自身对色彩的理解吗？

汪可儿：色彩是一种出于观者个人感受但同时融入时代语境的混合产物。但对于升为创作者的我来说，色彩的组合和表达，只代表艺术家本身的感受，且是复合的，非简单一对一和语言上词汇的对译。如果我说“橙色代表愤怒，蓝色代表克制，桃红色代表冒险，粉色系则代表梦境” ，但这一套情感色系只属于我。

画中的色彩可以是“治愈，自由，浪漫”的注释，它们也可以是各种新的表达或体验，如果激起观者对于这些词汇的感受，那是因为观者自身的语境所导致的，色彩是一种非常个人但同时融入时代语境的表达，也是观者对于自身感知的探索。

Vanity Teen：“奇妙星球”这个系列是怎么诞生的？跟我们分享下它的故事吧。

汪可儿：我会说，小王子就是一切的开始。带着欣喜，悲伤，对玫瑰和夕阳的爱，在星球间游荡这种行为，就是画面中一切元素的由来。可能并没有表达地那么直观，但是请相信我，一切都是小王子。

在前年初至今，我原本的多地生活轨迹被COVID-19中断了，只能通过科技与远处的家人和朋友们联系，这种不实在且虚无的接触，像是人们处于不同的星球或岛屿上，因此去年中开始创作“奇妙星球WONDERLAND”系列，并有着不同的篇章，以童话、抽象、数码等方式表达。

在最开始的童话篇的“漂浮小岛THE ISLAND”我无意中传递出纯粹又呆萌的个人特质，反转的岛屿、倒立的盆景、透明的积木组成了梦幻又超现实的世界观，我的创作之旅由此开始。而抽象篇的“公路历险THE ADVENTURE”加入了流体丙烯作为不确定的因素，绘画的状态更为张狂自由，像是旅程中识随着⻛景的变化⽽漂移，期待遇到的各种未知而美丽的惊喜。同时，我作为在职已久的室内设计师，热衷于各种立体模型制作，因此3D数码篇的“新世界NEW WORLD”中，用平板建模复刻了“奇妙星球”系列之初的画作元素，最近的创作中加入了猫咪Twinkle，做成数位印刷版画，与上海的社区咖啡和公益机构合作，为救助流浪动物义卖。

在创作过程中，我很少起草稿或者预想画作最后的完成形态，而是先以当刻的感觉自然而然的在画布上涂抹，时间和感受会带领着我的手自由的表达，对与我，每幅画都是充满惊喜且不可复制的，因为我已无法捕获相同的内在状态进行同样的描绘。创作完成后，不得不以系统化的方式将画归类并形成系列及篇章，但这总是无法预判的。这也是对我来说创作过程最有趣的一部分，和旅行一样，充满未知的惊喜。

Vanity Teen：如何看待艺术与商业的结合？未来倾向于什么类型的合作？

汪可儿：艺术一直以来都是商业的，所有的“艺术品”几乎都是来自于’‘订单“，变化的是”客户“。以往的客户只有国王，贵族和教廷，随后时代的变化，现在几乎所有人都有资格”下单“，而且更趋年轻化。

场景也从宫殿的舞厅、教堂，渐渐扩展到吸烟室的壁炉上。然后出现在公共艺术馆，最后，商场，零售场所，咖啡馆甚至街头。时代的印记让人们看到了20世纪后急速实现的民主化和权力的下放，”艺术“和”知识“一样，随民主和当代化进程中被的稀释和模糊的阶级一起被带入到原本不曾出现的场景里，并传递到更远更广的场域。

我对于”艺术“和各种经济行为的结合没有任何设限。可以看到“艺术“走入大众视野并融入在21世纪的社会生活中，从中折射出社会和历史的进程。而艺术可以承担比以往更广泛的意识传递，出于个人对于帮助别人或者”别猫“的偏爱，近期将与上海的社区咖啡馆及动物关爱公益机构合作，义卖作品以帮助流浪毛孩们筹款，拍卖画作所收到的收入会全部捐出用作救助小动物们。在未来，我希望可以通过“艺术“，让大家感受到对于自然和生命的热爱，并一起传递这种美好又浪漫的信念。

Vanity Teen：您养了猫？它（们）的性格如何？您画画时它（们）在干嘛？

汪可儿：猫咪是一种神奇的动物，有着各自不同性格，我家领养的田园猫Twinkle既倔强又温和，是个好奇宝宝，对于到访的朋友及猫咪十分友善，并总是能在人类做重要工作时准确的开始捣乱，尝试捕捉在挥动的画笔，而我要及时逮住并仔细的清洁沾上颜料的猫爪，这也能算是猫科“行为艺术“。我有非常多的猫奴朋友，与人类生活的动物们多多少少都带有它们室友的性格，它们是人类生活的陪伴、情感的投射、灵感的来源。

2024年9月15日

新天才｜鲍永亮：爱与和平

BBKK鲍永亮，跨界艺术家、CUT STUDIO主理人、上海魔务文化创始人主理人。除了是潮玩设计师以外，他还是2022年冬奥会吉祥物“雪容融”主创团队成员、吉林艺术学院数字动画系主任。

Vanity Teen：您最初是如何与CG艺术结缘的？给我们说说背后的故事吧。

鲍永亮：一个是大学时的经历吧，那时候长期给刊物画插画，写商场POP海报勤工俭学，突然有一天看到了高年级同学用电脑，只用了一天做的一张图竟是我将近一个月赚取的酬金，于是我决定要学会电脑作图。

还有一个就是，我那时被bule sky的《冰河世纪1》这部3D动画片所打动，直到目前也是我最喜欢的动画片之一，可能是他打破了我以往对3D动画很假，很生硬的塑料质感的认识，原来三维动画也能把人物刻画的这么活灵活现，完全被故事吸引，即便目前的动画技术如此先进，但我依然经常跟女儿一起看这部经典的动画，以至于台词几乎我们俩都会背读，我想这些就是我跟CG的最初相识哈哈！

Vanity Teen：作为北京2022年冬残奥会吉祥物“雪容融”的主创成员之一，最先接到设计任务的时候，您做了哪些准备？以及最后是如何确定下来它的形象？

鲍永亮：这个事情起初我是毫无准备的，当时正在欢度新年假期，也是我承诺家人多次终于实现了的第一个海南新年之旅，结果刚落地，海边的鲜润空气都没来得及呼吸一口，急促的电话铃声把我直接拖回了长春，电话内容大概就是——有紧急任务，涉密，电话中不方便说，速回！…就这样我像一个准特工一样抛弃了家人，加入了这个一进入工作状态就是将近一年的“小黑屋”，这个临时工作间90平米，四室一厅一厨一卫，暂定名称为“1.25项目组”，是我们吉林艺术学院的专家公寓，因为涉及的项目是保密的，我们不能在正常的教学实验室进行创作，所以我将这间公寓所有对外的窗户都用报纸糊满以防方案泄密，因此得名“小黑屋”，记得最有趣的就是我出入的敲门都是有安好的——“当当，当当，当当当”，就这样，包含原创作者姜宇帆同学共16人的2022冬残奥会吉祥物设计团队就正式进入工作状态了。

后来才知道，在我回来之前，学院已经组织部分相关设计学科的老师进行了将近一个月左右的项目推进，首先是新年前接到奥组委通知，我院姜宇帆同学设计的“冬残奥会吉祥物”（那时候还没有具体的名字），从6000副参赛作品中入围100名的喜讯，但目前还要通过组建团队进行造型优化，还要面对100个设计单位和团体的终极PK，所以才把大家从四面八方召集回来，举全院之力完成这个学院空前重要的项目，于是在接下来的一年时间里，团队通过反复推敲与创新尝试，并结合无数次的奥组委评审会指导，像好莱坞大片一样，历时一年，从100晋10,10晋3，最终与广州美术学院分别完成了两个冬奥会吉祥物的最终设计，我们的“雪容融”就这样诞生了！结果也正如大家所见，冰墩墩和雪容融在媒体传播上取得了不俗的反响，受到了人们的喜爱，尤其这几天正逢雪容融正式“上班儿”，我们团队也打算相约再次庆祝这一荣耀时刻！

当然这里所经历的是无数个寝食难安的投稿前夜，大家上万张原画和三维设计图的稿子以及无数个不能与家人团聚的节假日，这段经历我感觉很像一部励志的电影，并且结局很圆满！

Vanity Teen：您的数字版画作品中常出现宇航员和大面积留白，可以解读一下其所代表的含义吗？

鲍永亮：我喜欢放空，我就是那种一个人在海边可以呆呆的坐一天的人，所以宇宙和深空是我神往的，那种隔绝，孤寂与独立与其说是一种逃离，倒不如说是一个人的浪漫，宇航服面罩和留白都是深不可测，充满无限可能性的概念，所以我感觉这样的元素放在创作中，也是在邀请别人欣赏你作品的同时给观赏者一席之地，共同为作品延展思绪。

但话说回来，目前我所从事的潮玩设计有很多时候不太允许这样的设计，因为现在大多数人们还是喜欢“具象”或者叫做“具体”的内容去观赏，不喜欢烧脑，生活已经不容易了，何必看一个创作还要绞尽脑汁，花钱买罪受呢!

但我总相信还有一小部分人跟我一样，喜欢一探究竟，痴迷于留白和面具下未被探知的表情，举个栗子，譬如画中的一扇虚掩的房门，下面流出来红色的液体，如果我告诉你这是番茄汁，也许你会觉得我在躲避话题，但你如果认定那是鲜血，那此时你和我就是这个作品的“共犯”,这其实才是艺术本质的一表述方式吧！

Vanity Teen：从创作者角度来看，您觉得什么是“潮流艺术”？

鲍永亮：“是谁出的题这么难，到处都是正确答案”（邱天的著作），潮流艺术分门别类的帖子正拯救者无数求知若渴的新潮人，就像我曾经花了很多精力去翻阅论坛关注公号，以至于能很快在朋友手机展示的图片中将那些潮流门派脱口而出，而且有名有姓有族有宗，哪怕arttoys与Designertoy的略微区别，Sofbi高贵的身份以及潮流被致敬和被抄袭的巧妙躲闪，更不用说安迪沃霍的popart先驱，但现在我其实对自己研习了这些而感到一丝羞愧，这是对自己创作的多么不自信才会让一个深受设计科班折磨了半辈子的人在这里继续作茧自缚呢，所以现在我认为，潮流艺术之所以叫潮流，就是它与大海的潮汐是一样的概念，人们在潮流里面游走，就跟在海边拾贝是一样的，你捡到的新贝壳不会在下一波潮流中再出现，所以我们不可能在之前的作品中沿袭，它不像古典艺术，越学习越深厚，暗香涌动，潮流转瞬即逝的属性也是人们喜欢它在消亡前一闪的快感，象流星，我们应该了解他的规律，最新流行的一定是之前没有出现过和存在过的，这个市面上好像几乎没有一个品类火了，没过多久就又出现了一波一样的品类，再次火起来的案例，当然有人会杠Bearbrick总是一波又一波的火，我指的是不同的工作室推出的同质类产品，即便是再现，也是改头换面，卷土重来的震撼，而不是简单的复刻，我们应该做的是找到一种艺术表现语言，深耕，沉淀够了，自然会成为经典，需要时间，我们每看到的每一波浪潮，都不是从天而降，而都是通过大洋洋流绕遍了整个地球，才来到你的脚下冲刷了一下你的小腿！

因为工作属性的原因，近些年的工作中也不得不思考关于潮流文化这些问题，但终因自己与潮流格格不入而自行惭愧，但既然面对媒体，对也好错也罢，总要总结一二，让大家评头论足一下，所以象征性胡乱总结些跟潮流相关的创意方法和一些肤浅的认知，但我的前提是这些都是我的实践所得，并非信口雌黄，我尽量拿我的实际案例分享。

首先我认为作品要具有吸睛的力量，这个里强调的不单纯是作品看着好看那么简单，“熟悉的陌生感”是我与“艺术花生”的创始人吴向峰先生学习到的最实用的一个实战法则，譬如玩型填空的VK世纪之吻，这个本身就是人们所熟悉的象征和平的经典元素，然后在其基础之上进行设计改造，给人眼前一亮的感觉，我们与艺术花生签约的版画作品销售数据良好，目前已经推出VK2.0系列，并成功与RED丽芮连锁酒店签约，成为我们炙手可热的授权单品。又譬如玩型填空的PARTS画框系列，人们会通过这个作品找到高达等那些儿时玩具“流道和水口”的记忆，当人们看到了这些印象中的东西，人们才愿意驻足继续解读，所以这样的作品才有可能成为经典，即便流道和水口是我们在组装模玩时会丢弃的废料，但是这些都不影像他成为我创作的元素，也正因为这个创作，PARTS（零件儿）系列与Zippo达成了合作，在单只火机过千元的高额售价下，完成30000余支的订单，成为了zippo近些年的话题产品，我想这些都跟这打造“熟悉的陌生感”的方法论有关吧？其次就是将曾经的经典转化维度，曾经的老去的经典文化、物件儿我们可以尝试着把它通过绘画的方式重新诠释转换成2D语言，当然也可以反过来为之，尤其当下数字技术发达，我们可以将很多曾经绘画甚至漫画中的元素（不是人物）立体化，成为有趣的视觉语言，加上独特的内涵，这些都可能让经典化身为“潮流”卷土重来，譬如玩型填空的新品，“打成一片”(Kick ass)系列即将在4月份的PTS与大家见面，至于它能有什么样的表现目前还不得而知。

再有就是营造组团的家族系列设定，人物丰富多元，除了有故事可讲之外，人物排列能轻易地营造出及极其华丽的构成关系，有大有小，错综复杂，会成为地产与美陈的宠儿，MODOLI家族系列就因为得益于人物系列众多，目前多达二十几个设定，所以每逢合作，联名方都会从中艰难遴选，除了地产，2021到2022，MODOLI与世界五百强品牌AMD合作的两批联名品捆绑向潮玩与3C用户献礼，也是选择了家族系列多个人物，目前也开发到2.0冰雪主题“超威量子机动队”为冬奥助力。这个组团概念的好处是你可以使“陌生脸”，没人认识，但是当它们整体出现在公众面前是，场面是震撼的，体现了人多力量大的一面，当然，这也是双刃剑，娃多了也难养，消耗也指数增长，工作室人员配给就要增加，有利有弊！最后一点有就是与高科技跨界，对，没错，科学与艺术本身就是一奶同胞，新媒体的介入，NFT也好，数字版画也好，新科技加持下的领域就因为够“新”，就一定够“潮”，而且数媒的世界里更新频次迭代效率远超现实世界，举个栗子，我们在现实世界中开发一款鞋子或者玩具，可能要数个月甚至一年时间，而我们在虚拟世界中创作产品，所见即所得，不需要研究面料工艺，颜色调配过程中的色差比对，尤其异地设计师往返工厂和工作间的窘境，包括结构测试等那些繁琐工艺上所消耗掉的大量时间，毫不夸张的说，我们花一天时间设计的火箭，晚上我就能可以把他放飞，尤其NFT数字认证技术让这种持有同样可以满足我们的“产权”需求，所以不要因为新而拒绝，要勇于尝试，我们21年年末与NFT（中国）联合开发的玩型填空初代NFT系列作品已经上线，也获得好评如潮，尤其在二维粗陋的NFT当道的当下，我们把玩法和盈利放在最后，坚持推出既精品的“玩型”精神，打动每一个爱我们的人，第二轮数字产品在创作中，大家可以关注！

无论怎样我坚信，只要做到内心炽热而且顽强的潮流骚人，勇于花大把时间为自己个性买单，不断创新，爱自己的创意，相信时间，每一个后浪都有可能在这个领域成为巨浪！祝我们都有好运吧！

Vanity Teen：工作之余，最大的兴趣爱好是什么？为什么喜欢做这件事？

鲍永亮：两件事，陪女儿玩和喜欢在树林中发呆，听虫鸣。因为创意会涌现哈哈！

2024年9月15日

新天才｜DAIV：致敬经典

欢迎来到国内新生代潮流艺术家 Daiv 的狂欢艺术派对，这是一个真实且怪诞、充满黑色幽默的世界。无论是致敬经典《最后的晚餐》还是“DAIV 帽子小人”IP 系列，Daiv 始终充满年轻世代的批判与独立精神，以其独特视角创作出风格鲜明的个人作品，用艺术表达真实自我。

Vanity Teen：HIP-HOP 风格涂鸦非常特别，您从什么时候开始接触涂鸦创作？

DAIV 陈伟豪：我从高一开始就是尝试夜晚在无人的街上用喷漆表达自己的心里话，那时候涂鸦的状态就完全是自发的，不受外人影响，不像许多人喜欢跟风那样看见别人涂鸦很酷所以也涂鸦，因为那是形式上的，那种人是为了涂鸦而涂鸦，而我一开始的初衷是为了表达而去涂鸦。这才是纯粹的黑怕。直到后来高二知道英国有个叫banksy的人，然后他成了我的榜样。

Vanity Teen：跟我们分享一下 IP 形象“DAIV 帽子小人”的创作灵感吧。

DAIV 陈伟豪：DAIV 帽子小人其实画的就是我自己，那时候我处于一段失败的恋情无法走出来，我才尝试用画画来抒发内心的压抑感，把当时哭的 DAIV 画成了永远只会笑的 DAIV，这就是我这个 IP 一开始的由来。

Vanity Teen：您创作了一系列《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》《带黄金耳环的少女》等致敬名画的作品，创作背后有什么更深层含义？

DAIV 陈伟豪：这几幅作品都是表达抨击消费主义，侧面反应国内现在艺术市场某些个别畸形的产业，例如潮鞋，甚至可以上升到炒房。

Vanity Teen：回顾自己的所有作品，最满意的是哪一幅？为什么？

DAIV 陈伟豪：我最满意的一幅作品是《胎儿画家》，其实如果实话实说的话，我最满意的是《SWEET HOME》，因为它表述了太多太多，虽然它是揭露负面的，但是只有负面被公之于众的时候大家才会去改变它不是吗。

Vanity Teen：疫情期间对创作影响大吗？比如灵感进入爆发期或沉淀期？谈谈自己对疫情的感受吧。

DAIV 陈伟豪：疫情期间对我的创作影响非常大，因为疫情我去年在韩国毕业后在当地滞留了一年，那一年我过得非常艰辛，也催生出了许多我的作品，我希望新冠赶快结束，真心希望，它已经改变了这个世界上大部分人的人生轨迹了。

2024年9月15日

新天才｜石佳冉：绣外，慧中

从服装设计师到刺绣艺术家，85 后匠人石佳冉用心、时间与双手去创造美好，探索刺绣更多美的可能。她说，刺绣本质上是针与线的交织，自己希望赋予作品更多生活的意义，让刺绣艺术之美无处不在。

Vanity Teen：作为一名刺绣艺术家 , 您认为法式刺绣与中式刺绣相同与不同之处是什么 ?

石佳冉：刺绣都是用心用时间用双手去创造的美好，通过丝绸之路，从东方传播到了西方，本质上是针与线的交织。在我手中，它更多赋予我的是生活的意义，无论哪种方式的刺绣，教会我一直往前走，探索更多美的可能。中式刺绣拥有久远的历史，古代妇女用线装饰了服装服饰，以此衍生出了更多以线为主的刺绣手法，其中蚕丝线为主的刺绣更为人熟知，丝线温润的光泽和细腻也诉说着中式刺绣的温婉大气以及无可比拟的精致。前不久我去旅行，特意到苏州有名的刺绣小镇上参观了刺绣博物馆，站在这些绣品面前，深思了很久，她们的刺绣远比我想的丰富。一根线，演变了几十种针法，是对一种材质的精益求精的态度，而这种精神也是印在我们骨子里的。法式刺绣这些年被更多人喜爱，色彩斑斓的亮片管珠，让我感受到刺绣材质的多样性。我很羡慕她们拥有那么丰富的辅料，上学的时候，因为品类太少了，市场上流通的辅料很多都是无法制作出这些刺绣的，想要做好法式刺绣，对于辅料的要求就会比较高，有时候需要自己去创造辅料，是对刺绣以及设计的更高要求。这两大类刺绣，我都喜欢，想要将中式西式融合，中国人讲究的就是和，刺绣从丝绸之路流入西方，如今再轮回东方，每一次的往返都会带给我们更多更好的艺术品。

Vanity Teen：您与瑞士高端护肤品牌 VALMONT 法儿曼所跨界合作的刺绣艺术品以及胸针，其精美外观的背后寓意是什么 ? 跟我们分享一下吧。

石佳冉：在 INS 上，法儿曼的负责人找到了我们，他们想让我设计一个关于他们新产品的刺绣，我很喜欢这种跨界，将刺绣应用到更多的领域。但是那个时候临近除夕，我们定好了去巴厘岛旅行的安排，所以整个设计过程差不多是在旅行的过程中沟通和完善的。从北京到巴厘岛，严寒到酷暑，从花木凋零到枝繁叶茂，仿佛一时间，灵感泉涌。这款新产品是关于女性皮肤紧致修护系列的产品，由他们的护肤专家研发出来。将产品的 LOGO 绣出来，是我最开始做的一步，我想与这个产品有个正面的接触，负责人也将新品寄到我这边，把产品的容器的造型用刺绣，垫绣，还有制包的工艺结合起来，并提炼了一些产品成分元素，他们以往的产品中也有蝴蝶和蜂巢的概念，也一同加入作品中。来自欧洲的立体刺绣蝴蝶，代表着 VALMONT 品牌的蝴蝶护理手法，化身美丽的蝴蝶带走岁月的痕迹。一瓶来自于瑞士 VALMONT 护肤珍品。蝴蝶嗅到花香，翩然而至，瓶子上每一朵花都与分子结构和 DNA 旋转链紧密结合，象征使用 VALMONT 产品的客人与 VALMONT密不可分的亲密关系。最后品牌方想要参与活动的 VIP 一个纪念品，就将品牌独特的配色和代表他们的蝴蝶与刺绣结合，诞生了两款胸针，在场的客人也都参与到了制作。

anity Teen：您曾为梵克雅宝设计团扇，大气婉约。最初接触“团扇”这一传统手工艺并选择创作的原因是什么 ?

石佳冉：原本我是做婚纱设计的，喜欢看到最最精致的刺绣表现在这些服装上，而婚纱一定一个女人最美的时刻之一。后来自己创业的时候，我问过我自己几个问题 :1: 到底是喜欢婚纱还是喜欢婚纱上的装饰？我当然是喜欢装饰了，因为它可以不拘泥于服装这一个题材。2: 除了解决温饱外，做这件事的意义是什么？它在于树立自己的自信，也想借由这些来表达自己对于生活的态度和传播给更多人去欣赏。3: 如何独出一帜？我想用一个载体，一个中国特有的载体去表现中国文化。然后结合自己的所见所闻，绣在其中，就像是以针为笔，以团扇为纸。于是，几个问题下来，我最终选择了团扇，或许很多人不懂它的价值，有时候也很纠结，但是一到这种时刻，我就告诉我自己，要坚持，要摒除杂念。我想我只要一直做，别的事情都交给时间，它会证明我存在的意义。

Vanity Teen：为华为手机高级定制“极光闪蝶包”和“珠光贝母包”，这两件极致奢华的作品从构思到制作一共有多少工序？灵感源自哪里？

石佳冉：随手做了一只蓝色的刺绣小蝴蝶，发在 INS 上之后，有很多人点赞，内心是特别欢喜的。一个多月过去了，机缘巧合下，与华为手机合作，一月前的那支蓝色蝴蝶的色彩瞬间我眼前浮现。立体的四只蝴蝶萦绕在手机两端，铃兰花枝编织出包包的背带。如何不影响手机外壳的颜色下，还要能展示出这些手艺。手机本身是一个载体，分得清主次之后才能把设计做好，选材的时候，反而还会选一些黑色，深蓝色的水晶。隐隐约约的光芒才是我想要的。蝴蝶用到了野生的羽毛进行创作，以点翠作为根基，用最传统的羽毛绣技法，一根根绣出闪蝶的羽毛；为了使羽毛层次更丰富，还用到长短针刺绣、珠绣，叠片绣等技法。除了蝴蝶，散落在机身和藤蔓包带各处的花朵和花瓣有 500 朵，一朵朵手工烫制而成，一片花瓣左右各一个颜色，蓝色紫色之间还要过度的自然些，每片都经过了湿染和补染两次晕染，总共经过上千次的晕染。就这样经过数百个小时的精雕细琢，才有了这款融合东西方高级定制核心工艺的“极光闪蝶包”。这个包大功告成，完美 ENDING 之后，想挑战一个更简洁但更有仪式感的作品，华为同时出的另一个有自然光感的手机，来源于海洋灵感，于是《听海》的创意就诞生了。以珍珠海洋为主题，应用的大部分是天然的材料，比如说珍珠和贝壳，最有趣的事就是我们用滴胶铸模的小海马和小螃蟹，这些水生物的组成，都是为这份梦幻增添了一份生机。这款贝母包包也让我们突破了传统的设计，让它更像是一件带有科技感的艺术作品，对于这种跨界的设计，可以让手工艺与科技联系的更紧密。生活里的美，在于发现，作品里的美，无论是科技还是艺术，都在于灵感的落地、想象的还原和创造的勇气。

Vanity Teen：疫情期间有没有新创作？作品灵感源于哪里？您想通过它表达什么？

石佳冉：疫情期间，我想很多人都跟我一样焦虑，我将这些情绪转化为灵感，做了一个新的探索。一个人在家又重新看了一次科幻电影《海王》，对于我这个科幻迷来说，消失的亚特兰蒂斯是那么的神秘，选用了透明珠片，这种干净清透的作品也是对自我价值观的一种传达自信善良且对未来世界充满希望。栉水母或许是动物们的首个祖先，这也是我在作品中加入水母的一个原因，用它的力量去拯救残缺的城堡 … 城堡中有描述外形飞船的模样，也有希腊式的柱子，似乎只剩下了空架子，在水中无阻力的被水母移动 … 这就是我对某一个角落的亚特兰蒂斯的幻想，每个人看过影片后都会有自己的感受，在空间时间以及逝去的亚特兰蒂斯中，我感受到了大海的神秘和这个世界的不凡 ..

2024年9月15日

新天才｜张文绮：中式奇幻

张文绮是一名插画艺术家。自幼专攻写意花鸟的她致力于通过插画打造造个充满诗意与文化碰撞的奇幻世界，将现实日常生活结合童话与传说里的幻想娓娓道来，用兼具东方情调与欧洲古典的元素点缀，让身穿绮丽华服的动物人物角色穿梭在精致的山水园林、亭台楼阁间，诉说着一段段神秘与浪漫的往事。

Vanity Teen：您几岁起开始接触绘画？契机是什么？

张文绮：两三岁吧，6 岁开始正式学习国画，契机是对水墨画产生了兴趣。因为水彩笔、蜡笔画的儿童画很常见，觉得毛笔和宣纸更加特别。

Vanity Teen：作为一名生于江苏、后旅居纽约的中国艺术家 , 您觉得中西文化中最大差异是什么 ? 为什么 ?

张文绮：在中国文化是内敛含蓄的，情感和画面都讲究留白。西方文化则直白、具体了许多，更加响亮活泼。东西文化中，西方注重个体，我们注重关系，我记得《乡土中国》的作家用“涟漪”来比喻中国人际关系，而西方则是一捆捆木柴。另外就是教育方式，中国孩子的童年被学校的事物填满了，无暇顾及“我要如何度过这一生”这样的问题。在脱离学校前即使不去思考，每一年随着年级的上升也会有一种生活在向前走的错觉，于是这个问题一直拖到步入社会，自我觉醒、审视自己的那一刻来得相对要晚。

Vanity Teen：这样的差异是否影响了您的创作？分享一下其背后故事吧。

张文绮：会的。我从状态和内容两方面来说。我发现我在纽约会有双更灵敏的耳朵倾听自己内心的声音，杂音也相对较少。（倾听自己对创作尤为重要。IF YOU DON’T LISTEN TO YOURSELF, HOW COULD YOU BE HEARD ? ）我自己很喜欢的一套作品《园林 1910》在纽约完成的。那个时候刚毕业，吃住条件都不好，作画空间狭小，工作很不稳定，然而画画时却最为投入，心无旁骛，不骄不躁。现在在上海，生活相对舒适稳定了许多，可也潜藏很多杂音和躁动，我需要每天提醒自己屏蔽无关的东西，以保持毕业时那个简单干净的创作状态，静下心来多读些书。内容方面，东方世界里纤细柔情的一面是我钟情的，就像是青朗的钢笔线条，仿佛花枝一碰就断，情感若即若离，大雨将至。。。这些含蓄暧昧的氛围是我喜欢在图像叙事里去体现的，而不是把故事讲得太明显，这是画面中东方的一部分。而故事产生的环境，建筑，园艺，人物，道具等则具体很多，小时候读过的童话、奇幻小说，在国外看到的有趣的东西，吸收的新的观点在里面都有体现，算是比较西方的部分。我的生活经历投射在作品里，反映在我对素材的解读和重组，画面是江苏、纽约、北京这过往居住过的城市交织。

Vanity Teen：最喜欢哪位艺术家？创作中有没有曾受某一艺术家或流派风格影响？

张文绮：对我有影响的艺术家太多了，因为我也痴迷于看画，他们其中有的是我的朋友。对我影响比较大的是中国的宋代风俗画，木版年画，如杨柳青年画，上海小校场年画，苏州桃花坞年画。我是江苏人，看到江浙的本土艺术有一种神奇的感应，仿佛是有血缘之亲。我能够将他们很自然地融入我现有的故事和风格里。宋代绘画永远是我心中的巅峰向往，我可以不吃不喝观赏临摹一整天，它所体现出的清雅是可以填饱肚子的。另外就是世界各地的 VINTAGE 绘本、歌谣书，不仅是其中的画，他们的装帧、环衬、字体设计、图文编排、封面的布艺和烫金都能让我玩味很久，这些元素对于一部完整的绘本作品就像是一个爱时髦的女人对包包、帽子、首饰的讲究。近期我感兴趣的是法国黑色电影，爵士，昆虫骨骼，AMERICAN FOLK ART。

Vanity Teen：18 年您与团队共同成立了设计师品牌年衣，成立初衷是什么？可以分享一下创业期间趣事吗？

张文绮：“将现代与古典的中国元素结合，让世界各地的人感受不一样的东方之美”，这时年衣成立的初衷，持续至今。我的合伙人邝曾，是一位非常优秀的室内设计师，在我念大学时相识。我们都是对艺术设计有着浓厚热情的人，有海外生活经历。我们发现，在中国可以在IKEA 买到北欧风格的家具，在 MUJI 找到日系的日用品，而在国外根本找不出拿得出手、设计成熟的、代表中国的产品，而国内，国风服饰千篇一律、质量堪忧，对国风的理解也比较停留在表面，没有革新和批判精神，更没有人在做品牌。我们觉得也许可以做点不一样的东西出来，于是有了年衣。年衣最初是纯靠微信聊出来的。我和邝曾一个在纽约、一个在北京，创业头两年只见过两次面，一次是她让我设计一组红包图案后我们吃饭（从此认识），第二次是我回国办画展，她来看我。我们非常有默契，仅通过语音、传图，她就能把我草稿本上奇奇怪怪的设计实现。身处异国反而使交流产生更多碰撞。

Vanity Teen：年衣中有许多创新元素，如敦煌莫高窟、飞鱼服、兔兔爱丽丝等，这些天马行空的灵感最初都源于哪里？

张文绮：年衣是一个在布料上讲故事的品牌。我们觉得很多国风产品，比如汉服，图案题材太过狭隘，花草鱼虫被用烂了，同时也增加了文化壁垒，不熟悉这些古风图案的人短时间很难被吸引，明明有很多题材可以创作啊。由于我没有时尚领域的经验，我在设计年衣的图案和款式时也少了很多条框，只是当作插画来做了，我为创作插画看的绘本、童话、古董、小说、音乐、歌剧、芭蕾舞剧等，都变成了年衣的创作素材。年衣的团队非常看重创作的独立性，从选题到图案绘制到版式设计都遵循年衣的世界观，就像开发游戏一样，最终逐渐形成年衣目前非常独树一帜的视觉风格。

Vanity Teen：您曾与许多品牌成功跨界合作，目前有没有非常感兴趣的品牌类型或跨界合作方式？

张文绮：我想和 GUCCI 合作一季的服饰图案，我在准备申学作品集那年正赶上 ALESSANDRO MICHELE担任艺术总监，他为 GUCCI 创作的第一场秀我激动地看了四五遍，他完美地结合了所有我喜欢的元素，嬉皮士，摇滚，维多利亚，文艺复兴，颓废一代，黑暗，童话。。。ANNA SUI 也是我喜欢的品牌，如果能和这些时尚品牌进行创意合作，我会非常期待。此外，我也想参与舞台美术的设计，我在纽约看过一场芭蕾舞表演叫 WIPPED CREAM，是由我非常喜欢的艺术家MARK RYDEN 参与创作的。与餐厅、酒店的合作也会很有趣，希望将来有这样的合作机会。

2024年9月14日

新天才｜Tina Yu 造梦成真

Tina Yu 是一名中国艺术家和雕塑家。大四开始自学雕塑，大学毕业后，她为了追求对雕塑的热爱留居纽约州并成为了一名自由职业艺术家。Tina 会在社交网络平台上分享她的制作过程和灵感，近几年来在 Instagram 和 YouTube 各积累了三十多万的粉丝。17 年她在美国费城举办首次个人展览，之后参加过美国多个城市的艺术展，至今办过三次个展。Tina 曾登上两本著名艺术杂志，并在 2020 年受邀参加北京冬奥会残奥会全球艺术作品征集活动。

Vanity Teen：小时候的愿望是成为什么职业？

TINA YU：说来也挺有趣的，虽然小时候一直在学画画，但从没想过要当一名画家或者艺术家。小时候喜欢看电视剧，有一阵子想当演员。

Vanity Teen：最早接触美术的契机是什么？可以讲讲当时的故事吗？

TINA YU：在我记忆里，好像我从四五岁就开始画画了。我妈说我从小就喜欢做手工，我记得小时候用卡纸做了几个还珠格格里的旗头哈哈。最开始学专业课是从国画入手的。上小学后开始学素描，平时喜欢用水彩笔画一些卡通人物之类的。初高中考入清华附中美术班之后，重点学习素描和水粉画，闲暇之余会画一些水彩画。大学漂洋过海来到纽约上艺术院校，虽然学的专业是平面设计，但其实我对平面设计没有什么热情。我还是喜欢画插画/ 动手做东西。大三的时候画了一年油画，大四开始接触雕塑。刚开始纯属兴趣，觉得挺好玩的，有空就在家看视频自学研究。慢慢琢磨了一阵子，制作出我的第一个雕塑人物，后来给这个人物设计了一个电影海报作为大学毕业设计。那时候发现，雕塑能让我真正的通过艺术表达自己，看着自己幻想的人物慢慢地“活”起来是一种很奇妙又让人感到幸福的事。大学毕业后就走上了自由职业艺术家的路，直到现在。17 年在费城办了首次个人展，之后一直在参加各种群展和举办个人展。

Vanity Teen：为什么大四选择自学雕塑？这个念头是什么出现的？

TINA YU：当时看到了社交网络上很多人在玩球形关节娃娃，想自己做个娃娃，然后就慢慢地做上雕塑了。

Vanity Teen：自学雕塑时是否遇到困难？您是如何克服的？

TINA YU：因为是自学，所以刚开始一定会犯错误，比如烘焙的时间和温度没掌握好之类的（因为我刚开始做雕塑用的材料是软陶，所以需要烘焙）。总结经验就是要多尝试，不要害怕错误，从中学习。争取下一次做的比上一次更好。

Vanity Teen：您在 YouTube 上放了很多亲手制作雕塑的视频，播放量极高，您觉得人们为什么如此喜爱您的视频？

TINA YU：大部分人觉得我的视频很治愈吧。可能一些人是被作品的精细度以及色彩搭配吸引，或者是喜欢我做出来的人物，再者就是像我当初一样，秉着学习的目的来观看。好多人会跟我说，因为我他们也开始尝试雕塑，我觉得很欣慰。

Vanity Teen：您创作了月兔、金鱼、哪吒等中式题材作品，为什么选择将雕塑艺术与国风结合？

TINA YU：因为我的灵感很多都来自小时候在国内长大的记忆和经历，将一些中国传统色彩和图案融入我的创作是一个很本能的表现。我也想通过我的作品让全世界更多的人了解和欣赏国风。

Vanity Teen：您的作品创作灵感源于何处？

TINA YU：来自我的生活、家人与朋友、小时候的记忆、动物与大自然、无聊时的幻想、看过的电影、等等。

Vanity Teen：您最想通过作品表达什么？

TINA YU：我想通过我的作品创造一个梦幻的世界。

Vanity Teen：中国传统文化对您艺术的影响体现在什么地方？

TINA YU：我非常喜欢中国传统颜色中的一些搭配，所以我经常将我喜欢的色彩主题运用到我的作品中。

Vanity Teen：海外生活环境对您的创作是否产生影响？说说原因吧。

TINA YU：有机会接触到全世界更多有才华的艺术家，从他们的作品中学习并找到灵感。

Vanity Teen：从视觉效果来看，您的雕塑作品奇幻而绚丽，为什么喜欢运用鲜艳的色彩进行创作？

TINA YU：因为鲜艳的色彩使人开心，我希望大家看到我的作品的时候是一种享受，就像制作过程对我来说是一种享受一样。

Vanity Teen：海外生活环境对您的创作是否产生影响？说说原因吧。

TINA YU：有机会接触到全世界更多有才华的艺术家，从他们的作品中学习并找到灵感。

Vanity Teen：从视觉效果来看，您的雕塑作品奇幻而绚丽，为什么喜欢运用鲜艳的色彩进行创作？

TINA YU：因为鲜艳的色彩使人开心，我希望大家看到我的作品的时候是一种享受，就像制作过程对我来说是一种享受一样。

Vanity Teen：疫情期间对创作有没有产生影响？

TINA YU：没有很多，因为平时也是一直宅在家闷头雕塑哈哈。但去年喜欢开始录视频，录一些有关将艺术创作融入生活的主题，比如尝试烘培和小手工之类的。

Vanity Teen：现在艺术家们与品牌经常跨界合作并大受欢迎，对此您怎么看？有没有尝试跨界的想法？

TINA YU：通过品牌的知名度让更多人认识到有才的艺术家是一件很好的事。有想尝试跨界的想法，以后如果有机会的希望和品牌合作。

2024年9月14日

新天才｜宋三土——少女毕加索的花花宇宙

宋三土因其大胆的用色、丰沛的创造力，被誉为“新时代的少女毕加索”。她的艺术表现横跨绘画、装置、空间及表演艺术等数种媒介。她以植物带来精神疗愈和女性自我意识作为作品观念的根基，以艺术的力量和强烈的作品视觉漫步全球，体现不同文化里自由往来的人类精神。创造花对她来说是一种体验，她认为植物能涵盖这种宇宙微缩的能量，透过与植物花卉的交流，以及宇宙星体的连接，对花卉的刻画是为了体现内在的精神生活，令艺术家似乎找到了某种精神理念的传达。

Vanity Teen：您第一次接触“艺术”是什么时候？分享下当时的故事吧。

宋三土：从记事开始，我就一直在画画，很小的时候特别喜欢画乱的线，然后会从一堆非常奇特和混乱的线条当中，看到特定的图形，比如说有些线组成了一个怪异的螃蟹，然后另外一组变成了猪或者蝴蝶，从这里面我找到了创作和发现的乐趣，那应该是我小时候探索艺术非常重要的一个阶段。这也跟我从小的生活经历有关，我父母对我影响非常大，他们白手起家，从一无所有到获得名利荣誉，算是我人生最初的偶像。但也因为事业，他们没有办法陪伴我。我辗转了很多地方，去各个亲戚家，在不同城市读书。每到一个寄宿学校，就要面对不同环境和同学，所以我没有在一个稳定长久的环境中成长。那个时候，艺术成了我非常非常重要的伙伴，只有画画时我不用面对环境、人际的陌生和孤独，创作给了我一种内在的安全感。

Vanity Teen：“成为艺术家”这个念头是怎么出现的？

宋三土：应该是在很小的时候，老师问大家，小朋友们长大想成为什么呀。当时，我根本不知道艺术家到底是干嘛的，纯粹直觉上我觉得我要成为艺术家，搞艺术的。

Vanity Teen：您作品中为什么反复出现花卉元素？它有什么寓意？

宋三土：我的生命是跟植物和花卉融汇在一起的，玫瑰就是我，我就是玫瑰，我与它们有心灵感应。它们根植于我的内在生命，这无法用语言阐述明白。植物花卉们从强大的土地中破土而出，极尽绽放，随后凋零，凋零下的花瓣和植物的根枝又变成沃土，发芽，绽放，循环往复，如同寓言。我觉得这是生命之火，永生不灭的。这种过程对我来说是生命本身的创造，这也是为什么经历过那么多事情后，我还有坚韧和燃烧的热情。植物是最早出现在星球上的生命，这对我而言非常重要，像启示录。宇宙的起源是生命之花，这让我觉得植物、花卉太美妙了，因为我把它变成了一种强有力的生命成长，与我个人的生命进程是息息相关的，跟随我的生活、意识，它代表了我在虚拟世界当中的一种状态，它们是我创作中非常重要的意象，我会一直探索下去。

Vanity Teen：您觉得女性艺术家，她们最与众不同的是什么？

宋三土：我觉得特别的地方在于，她们的情绪和感官体验要比其他人丰富。但很多艺术评论家谈到女性艺术，会说她们表达的东西并不深刻，我觉得其实是很多女性艺术家没有被允许展现在更多的舞台上面，没有被大众真正意义上的去看到。在历史上面很多的女性艺术家，她是作为某人的妻子，情人，女儿出现的，或者一个极有影响力的女收藏家，像佩吉·古根海姆夫人，媒体上的穿搭其实都是一种附属的感觉。历史上能说出来有名的女性艺术家，不过十个人，那你说换成男性呢，基本说不完。所以这其实是结构性的不公平，艺术家是需要保持长久生命力的，那很多的女性艺术家其实会面临家庭、生育的现实问题，当然我在国内外也看到许多女性艺术家，会坚持艺术或两头兼顾。可是在艺术市场上面就会有一种所谓的价值判断，会评估这个艺术家会不会在创作了多少年之后，她就不再创作了，也就是说她的艺术作品的价值会大打折扣。我想反映在市场上面，的确存在隐性的偏见。所以我觉得女性艺术家面对自己的艺术事业，第一要热爱，第二要坚持，需要孜孜不倦的去创作和走出去表达自己的理念。但现在的艺术语境好了很多，相信女性艺术家会越来越多的去表达她们。

Vanity Teen：创作中有没有曾受某一艺术家或流派风格影响？最喜欢哪位艺术家？

宋三土：两个艺术家对我的影响挺大的，第一个就是弗里达。我在求学期间去了三次墨西哥，大家跟我说墨西哥特别的危险，但我其实是一个人去的，没有住酒店，住在青年旅社。我去拜访了弗里达的故居，看到她的整个生活环境和作品背后的东西，立刻爱上了那个地方，仿佛有灵魂共振。她在生命的结尾画了那张西瓜，上面用西班牙语写上“VIVA LA VIDA”，生命万岁。这给我的触动非常大，当时我刚刚迈入 20 岁，是处在对于人生充满好奇和探索的成长期，我迫切希望自己的才华被更多的人看到，所以当看到弗里达的作品时，我被她那种坚毅和对生命感知的极致状态深刻的打动了。另一个就是草间弥生。草间弥生当时在纽约郁郁不得志，想要去推动自己的作品，想要去表达自己，她创造了大量的作品，用她独有的色彩表达，直到最后成名。我看了非常多关于她的文章、传记，我惊讶于我们之间的相像处。我的世界跟普通人也不太一样，我总能看到别人看不到的东西，在小的时候曾经一度让我很困扰。对于色彩和未知领域的那种感触力，我看到了我们共同经历着的东西，我突然觉得，哎，那是不是意味我们是特别的？因为我们的特别，可以去创作更多不同的东西，可以为大众带去不同的感知。这些人对我的生命，对我年轻时求学的成长，其实是很重要的一环。

Vanity Teen：除了花，女性身体的元素也经常出现，您想通过它表达什么呢？

宋三土：因为我小时候比较胖，所以从小就被起了很多奇怪的外号，比如说大胖子啊，一座山之类的。小孩子的话是很恶毒的，那个时候我只能透过艺术和画画，去消解那个伤害感。直到长大一点，我意识到为什么女性的身体，成为了一种被攻击的武器呢？我没有任何过错，为什么要有身体自卑呢？所以我从不太敢面对镜头，到试着去面对这种尖锐的审视。我开始着迷于用不同形体的女性身体去创作和表达，透过绘画、透过装置作品，去全新的解读女性的身体。我觉得她们都非常的性感、迷人，是一种特别真实的美。我把女性的身体拆解成了不同的版图，不同的符号，去扩大，去游走，去无限化，其实是一种反叛，我想对抗那种社会规则下的束缚和评判，这是我认为的女性内在精神力的打碎和重建。

Vanity Teen：您的作品中色彩运用非常大胆，为什么想做出这种视觉效果呢？

宋三土：这是一种本能，我可以看到比正常人更多的颜色。其实用普通绘画的方式，是没有办法完全准确地表达我看到的颜色的。所以现在我尝试了非常多的数码科技装置作品，来探索性地表达我眼中那种规律世界的色彩。

Vanity Teen：创作灵感源自哪里？有没有自己独特的找灵感方法？

宋三土：所有的创作灵感其实是来自于冥想、梦境和半睡眠状态。大家很惊讶于我强大的创造力，说我好像从来不停歇一样。我的体验是，你从现实世界当中去探索，和你去硬性的创造一个灵感，这之间是有壁垒的，后者是有局限性的。但如果能把自己投射到另外一个时空和维度，你再去探索更多元的世界，灵感就源源不断的涌来，那个是本源的创造力。

Vanity Teen：如果对女性说一句话，您最想说的是什么？

宋三土：勇敢，热爱，坚持。作为一个女性，成长过程中是要面临非常多困境的。这些困境不该成为你生长的绊脚石，当你热爱一切的时候，世界也会热爱你。

2024年9月14日

新天才丨王亮：误打误撞，坠入热爱

2024年4月6日

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